The Cassandra Crossing (1976)

När tre terrorister tar sig in på ett forskningscenter i Geneve med agendan att spränga stället i luften (förmodar jag) blir de avbrutna; en dör, den andre blir smittad av ett virus som genast gör honom dödssjuk och den tredje lyckas smita. Det visar sig att med sig har rymlingen ett pestvirus som USA har låtit utveckla, på neutral mark dessutom. En amerikansk överste spelad av Burt Lancaster får ansvaret att styra upp situationen, i tätt samarbete med en doktor spelad av ingen mindre än Bergman-bekanta Ingrid Thulin. Det visar sig snabbt att terroristgruppen är av svensk härkomst, vilket resulterar i att man letar reda på en kille som påstår sig kunna svenska, för att försöka få ut information från den sjukling de har fått fast. Frågan ”vad heter din vän” upprepas gång på gång, fast det låter mer som ”vaa heterr dinn vaan”. Fokus flyttas till rymlingen som via centralstationen går ombord tåget till Stockholm. Tillsammans har han inte bara pestviruset, han är även ett bevis på att USA framställt ett biologiskt vapen. Med andra ord: han måste stoppas.

Regissören George P. Cosmatos, den här gången presenterad med sitt mellannamn Pan, är mest känd för Stallonefilmerna Cobra och den andra Rambo-filmen, båda väldigt fartfyllda och förhållandevis bra (det finns såklart delade meningar kring det). Hur som helst visar han upp sin känsla för action och spänning även i The Cassandra Crossing. Ljudmattan med Jerry Goldsmiths musik är intensiv och när Lancaster och Thulin ställer sig i kontrollrummet (som de inte lämnar under hela filmen) finns känslan av att det här kan bli en tät film, kanske till och med lite spähnande. Men så är det ju en katastroffilm, från 70-talet därtill. Då krävs det att en viss mall följs.

Handlingen stannas upp rejält när mängder av karaktärer som befinner sig ombord på Stockholmståget ska presenteras. I centrum och den som får mest utrymme står en läkare spelad av Richard Harris, som tillsammans med sin exfru, spelad av Sophia Loren, är på någon slags resa. Oklart vad syftet är, men Stockholm är målet. Ett annat par ombord är en äldre kvinna spelad av Ava Gardner, som med sig har en liten toyboy i form av en ung Martin Sheen. Det är inga dåliga namn, riktiga stjärnor, och då har jag inte ens nämnt att O.J. Simpson är med som FBI-agent förklädd till präst. Eller ja, nu har jag ju det. För att lätta upp stämningen ännu mer, eller stoppa handlingen om man så vill, får Harris flickvän tillåtelse att stoppa handlingen får ett sångnummer. Only in disaster movies..

Cassandra Crossing

Vad alla dessa karaktärer ska i Stockholm att göra är oklart, varför de befinner sig i Europa är även det oförklarligt. Tåget ska enligt Lancaster och Thulin innehålla 1000 passagare, 1000 eventuellt pestsmittade objekt, så vi får väl utgå från ett det är ett axplock vi får presenterat för oss. Dessutom behöver de inte oroa sig över sysselsättningar i Stockholm, för dit kommer ingen av dem. Lancaster bestämmer sig nämligen för att omdirigera tåget och skicka det till ett karantänläger i Polen. Detta ger dessutom en karaktär spelad av Lee Strasberg, grundare till och lärare på det anrika Inside the Actors Studio och mentor till Al Pacino bland annat, möjlighet att gråta ut några minuter, då han tydligen är en Förintelseöverlevare från just detta läger.

Innan dess ska tåget över en ökänd bro, känd som The Cassandra Crossing, som nedstängd sedan -48 ska vara i så dåligt skick att folk inte ens vågar bo under den. Är det en slump att Lancaster vill utsätta tåget får denna potentiella kraschrisk? Icke.

Som ni märker är det många bollar som hålls i luften samtidigt. Vad som till en början känns rätt roligt förbyts ganska snabbt i suckar och gäspningar, och jag kan inte förstå varför man dragit ut på speltiden till hela två timmar. Hela upprinningen till överfarten till bron är så utdragen och medför så ologiska och märkliga ageranden att egentligen ingenting hade förvånat. Den person som O.J. är ute efter ställer till med ett jäkla hallå och när det går upp för passagerarna att de är på väg att offras, inleds ett desperat försök att ta sig av tåget. De stöter dock på patrull av beväpnade vakter ombord, som inte är sparsamma med krutet. Att de också är på väg att offras verkar inte vara något bekymmer.

The Cassandra Crossing är en typisk katastroffilm av 70-talets mått. Den har alla beståndsdelar och är dessutom förlagd i det exotiska Europa. Synd att tåget aldrig når Stockholm. Det hade varit roligt att se O.J. och Martin Sheen spatsera på Centralstationen, men så roligt fick vi inte ha det. Skådespelarensemblen är väletablerad och innehåller många kända, oväntade namn – precis som det skall vara. Däremot känns det som att filmen har missat tåget (!), då Earthquake och The Towering Inferno redan hunnit sugit musten ur genren. De båda är dessutom bättre på alla sätt, den ena har ju till och med O.J. på lönelistan. Underhållande är den dock och därför blir betyget och omdömet positivt, men det krävs nog en viss kärlek till genren för att uppskatta den.

Betyg: 3/5

Judgment at Nuremberg (1961)

Spencer Tracy i Judgment at Nuremberg

Judgment at Nuremberg behandlar en av de rättegångar som skedde strax efter andra världskrigets slut i Nürnberg, mot människor som på olika sätt misstänktes ha brutit mot mänskliga rättigheter under Förintelsen och under naziregimen. Just detta fallet behandlar fyra tyska domare som står anklagade. Rättegången leds av domaren Dan Haywood (Spencer Tracy) som är den som får mest utrymme i filmen, trots att han i rättssalen inte säger så mycket. För att verkligen försöka skapa en förståelse för kriget och dess konsekvenser spenderar han mycket tid på att prata med tyskar, i synnerhet med en kvinna spelad av Marlene Dietrich, och vandra runt i Nürnberg. Samtidigt får man reda på vad han tycker om rättsfallet och de anklagade. Huvudparten av den långa filmen utspelar sig dock inuti rättssalen och det är också där den är som bäst.

För att vara en rättegångsfilm om ett sådant starkt ämne är det anmärkningsvärt hur återhållsamma rättegångsscenerna är. Den tyska försvarsadvokaten Hans Rolfe tar visserligen tillfället i akt att höja rösten och använda sin retorik för att få fram sitt budskap. Allt känns dock väldigt realistiskt, vilket det långsamma tempot och nedtonade skådespelet hjälper till att förstärka. Framförallt inleds filmen med att visa hur den språkliga barriären hanteras genom att låta alla tyskar prata just tyska, varpå det översätts av tolkar via hörlurar till amerikanerna. Givetvis fungerar det på samma sätt när amerikanerna pratar engelska. Så realistiskt det bara kan bli och väldigt snyggt löst, men för att slippa språkbarriären tar det inte lång tid innan tyskarna börjar prata engelska istället, dock med tanken att amerikanerna fortfarande uppfattar det som tyska. Ett filmiskt ”fuskgrepp” som faktiskt fungerar och eftersom problemet uppmärksammas tidigt är det också något man är medveten om under resten av filmen.

Att döma domare som bara lytt order och dömt enligt vad naziregimen velat samt hur väl de var medvetna om konsekvenserna av deras agerande är huvudfrågorna. Var och en får mycket tydligt sitt rättsfall presenterat, men speciellt Ernst Janning (Burt Lancaster) intresserar. En tidigare högt ansedd domare som skrivit flera böcker som använts runt om i världen som undervisningsmaterial, men som ändå tog beslut att avrätta personer han visste var oskyldiga. Det gör framförallt domaren Heywood brydd och att Janning dessutom vägrar uttala sig, han spenderar de första två timmarna av filmen knäpptyst, ökar intresset ytterligare.

Den stora frågan är egentligen vad som är rättvisa och om det är samma sak som att avlägga en rättvis dom. Flera karaktärer i filmen har stora problem att skilja på rättvisa och patriotism, framförallt den tyske advokaten Rolfe. Han spelas på ett ypperligt sätt av Maximilian Schell i en roll som Marlon Brando faktiskt ville ha, men som Shell fick på grund av sin övertygande prestation i en tv-film med samma upplägg. Hans försök att ge tyskarna upprättelse är ihärdiga och förklarar samtidigt hur svårt tyskarna själva hade att acceptera vad som hänt. Att det är en amerikansk film skall has i åtanke, men trots det är den faktiskt inte så moraliserande och pekpinneaktig som man först kan tro. Snarare tvärtom. Shells prestation, som den egentligen enda beskyddaren av det tyska folket, är storslagen. Att han dessutom låter precis som Dr Strangelove är bara charmigt.

Ett starkt bevis på filmens känsla av autenticitet är när verkliga filmsekvenser från olika koncentrationsläger visas. Jag vet inte hur många gånger jag har sett sådana, ändå förfasas man lika mycket varje gång. Människolik som med hjälp av plogbilar begravs och tunna, knappt levande människor i mängder. Oerhört starka bilder som lätt skapar en kontrast och får en att tappa tråden i den film som faktiskt fortsätter efter att detta eländet visas. Förvånansvärt nog och som starkt beröm till filmen kände jag ingen sån. Den påtagliga stämningen och skådespelarnas uppriktiga reaktioner gjorde att sekvensen fick precis det genomslag det antagligen var tänkt att den skulle få.

Judgment at Nuremberg är givetvis en stark film, men inte enbart för det starka innehållets skull. Här finns skådespel av absolut högsta rang och med frågeställningar som är så gott som omöjligt att svara på, framförallt eftersom det här är en film om verkligheten, hur svårt det än kan vara att tro ibland. En imponerande och rättvis skildring av båda lägrena, även de anklagade tyska domarna,

Betyg: 4/5

Mer läsning: Även Movies – Noir lade märke till Maximilian Schell och dennes likheter med Dr. Strangelove.

Field of Dreams (1989)

Kevin Costner in Field of Dreams

Här lägger man sig ned i tv-soffan efter att ha ägnat merparten av dagen till att plugga matematisk statistik. Målet: Att se en enkel och inte så tankekrävande sportfilm. Kursen uppmanar och framkallar logiskt tänkande så en baseballrulle med Kevin Costner kändes som ett bra sätt att komma tillbaks i normalläge igen. Döm om min förvåning när den inte var som den enkla sportfilm jag hade förväntat mig.

Field of Dreams är mer ett fantastydrama med klara Close Encounters of the Third Kind-vibbar än ett simpelt sportäventyr. Det börjar med att Costner hör en röst som uppmanar honom att förvandla en stor del av sitt majsfält till en basebollplan. Trots att de ekonomiska kalkylerna skriker nej bestämmer han sig för att ändå följa sitt kall. Det är tydligt att han präglas av sin fars ickeuppfyllande av sina drömmar och rädslan att själv bli gammal och olycklig. Likt huvudkaraktären i Spielbergs film är han manisk i sitt arbete med att färdigställa basebollplanen. Egentligen utan ett direkt syfte, men en vacker kväll träder helt plötsligt legendaren Shoeless Joe (Ray Liotta) ut på planen.

Ingen annan förutom Costner och hans familj ser Shoeless Joe, men de har inte heller några större problem att acceptera den märkliga paradoxen. Den mystiska rösten ger Costner nya uppdrag och trots att personlig konkurs står för dörren beger han sig ut på en road trip för att färdigställa sin dröm, som han inte riktigt har koll på vad den egentligen är än. Han hämtar en författare som ger självaste Darth Vader chansen att ge sitt namn ett ansikte. Karaktären spelas alltså av James Earl Jones och tyvärr gör han nog bäst i att fortsätta vara rösten till den mörka masken, för någon vidare skådespelare är han inte. Hans roll är också rätt meningslös, men det för Costner till ännu en klassisk basebollspelare spelad av en förvånansvärt pigg Burt Lancaster. För att hitta honom krävs det en tidsresa och för att sedan få honom till basebollplanen krävs ett skådespelarbyte till en betydligt yngre variant.

Lancaster står dock för det viktigaste inslaget i hela filmen. Hans karaktär, Moonlight Graham, fick bara spela fem minuter på högsta nivån i hela sin karriär. Han missade chansen att bli en superstjärna och blev istället en ”vanlig” vårdscentralsläkare (på ett ungefär). För Costners karaktär är det inget annat än en tragedi, men Graham svarar med att hävda att enbart få vara läkare i fem minuter vore en riktig tragedi. På det viset illustreras att drömmar inte alltid behöver vara det som till slut förgyller livet.

Det hela är alltså väldigt märkligt, minst sagt. Den logiken min hjärna kämpat hela dagen för att få in i sitt normaltillstånd tvingades ganska tidigt ge upp, vilket inte nödvändigtvis behöver vara något dåligt. I själva verket känns de logiska vurporna, som bara tas för givet, en aning uppfriskande. Den enorma utstrålning Costner ger ifrån sig stjäl egentligen all uppmärksamhet, speciellt då han sitter med drömmande blick och tittar på när drömlaget (1919:s Chicago Black Sox) spelar på hans egen basebollplan.

Field of Dreams var inte det sportäventyr jag förväntade mig. Istället bjöds jag på ett Spielbergskt fantastydrama med en lysande Kevin Costner som självklar drivkraft. Eftersom mängder av basebollreferenser förekommer går säkert mycket av den tänkta magin mig förbi, men stämningen är ändå god. Min upplevelse kan sammanfattas som lika märklig som själva filmen, fast på ett trevligt sätt.

Betyg: 3/5

Executive Action (1973)

Vi håller fast vid Kennedyspåret. Jag nämnde i förbifarten i Thirteen Days-texten att John F. Kennedy inte hade mycket att glädjas för på den tiden, men än värre kom det ju som bekant att bli. Det anmärkningsvärda är att i filmformatet har jag bara hittat två spelfilmer som tagit sig an och dramatiserat hans död. Den ena är självklart den mästerliga JFK, men den gode Oliver Stone var inte först. Inte ens med sina konspirationsteorier. 1973 släpptes nämligen Executive Action (för övrigt ett kodnamn för CIA:s mordverksamhet) och i centrum stod en avancerad konspiration inte helt olik den Stone presenterade i sin film.

Filmen inleds med några textremsor som informerar att även om del av handlingen är påhittad är även en stor del baserat på fakta. Inget anmärkningsvärt där, men sen kommer meningen ”we merely suggest that it could have existed” angående konspirationsteorins verklighetsförankring. Så många säkerhetslinor redan innan filmen har börjat på riktigt kan bara innebära att storyn är fabricerad rakt igenom. Den känslan förstärks ytterligare när Burt Lancaster och hans gäng introduceras. En samling trötta gubbar som är livrädda för den nya presidentens acceptans för färgade, hans vilja att avsluta kriget i Vietnam och till råga på allt – han vill motverka kärnvapentester. En riktig fara anser gubbarna och därför rafsar de ihop en plan för att få väck honom illa kvickt. Som att beställa en pizza ungefär. Inte så märkvärdigt.

Likheterna med Stones JFK är att båda utgår från att det inte var Lee Harvey Oswald som avlossade de dödande skotten. Den stora skillnaden är att här för vi se precis hur det gick till (nåja) genom att en specialgrupp tränar upp sig och att man använder en dubbelgångare till Oswald för att kunna binda honom till mordet. En rätt intressant tankegång, men det hjälper föga när det är så ospännande utfört. Gubbarna grymtar över hemskheterna som världen visar upp. Då och då dyker upp JFK upp i egen hög person med arkivbilder på olika tal, även Martin Luther King proklamerar att han har en dröm. Hade gubbarna varit rakt igenom onda och osympatiska hade det kanske skapat någon slags nerv, men i själva verket är de bara tråkiga. För att inte tala om hur ofarliga de känns.

Det enda Executive Action lyckas med någorlunda bra är att visa mordet på ett förvånansvärt välgjort sätt. I det ögonblicket har filmen ett visst existensberättigande, men det försvann i samma minut som JFK hade premiär 20 år senare.

Betyg: 2-/5

Ikväll kommer jag sitta bänkad och se det allra sista avsnittet av den (än så länge) suveräna miniserien The Kennedys på SVT. Förhoppningsvis ska jag få ihop en liten text om den också lite längre fram. Det oplanerade presidenttemat will continue.

Airport (1970)

Airport

Come fly with me!

Airport skapade i princip en egen genre med sitt relativt enkla koncept, som gick ut på att sätta människor i en katastrof och tvinga dem till att lösa sina privata problem till en följd av den extrema situationen. Den katastroffilmsvåg som efterföljde tenderade dock att fokusera mer på själva katastrofen, men konceptet var fortfarande detsamma.

För oss, de yngre generationerna, som inte upplevde den här som en naturlig del av vår uppväxt, har Airport och dess uppföljare mest varit de filmer Airplane! parodierat. Det har nog gjort att Airport fått något av en clownstämpel och blivit dömd på förhand som något löjligt och tråkigt. Det är synd. Det är en fenomenal film och det är tio Oscarsnomineringar ett gyllene bevis på. Även om den bara lyckades kamma hem en, bästa kvinnliga biroll, förtjänade den varenda en av nomineringarna.

Burt Lancaster spelar huvudrollen som flygplatschef som älskar sitt jobb och är hellre där än hemma hos sin griniga fru. Att han har en snygg assistent spelar också stor roll. Ett snöoväder slår till mot flygplatsen och ett plan kör fast i snön och blockerar en landningsbana. Lancaster ringer in den lokala legenden Joe Patroni, spelad av George Kennedy, som får i uppdrag att få bort planet. Dean Martin spelar pilot och hans plan lyfter i samma veva. Ombord på planet har han sin älskarinna och tillika flygvärdinna, en listig fripassagerare, några nunnor och en präst. För att nämna några. Ja, just det. Det sitter en kille med en bomb på planet också..

Hade Airport gjorts i dag hade den knappast kallats för katastroffilm. Filmen är 137 minuter lång och det tar nästan 100 minuter innan själva katastrofmomentet träder in. Dessförinnan handlar det mest om hur det är att sköta en flygplats och hur huvudpersonerna sköter sitt liv. Situationen känns trovärdig, trots tidens tand, och karaktärerna känns både professionella och sympatiska. För alla är sympatiska. Man tycker inte illa om någon, och det är rätt unikt. Inte ens bombmannen skildras som en skurk, utan känns rätt mänsklig. Med andra ord en ytterst trevlig och relativt spännande film, väl värd sin kultstatus.

Betyg: Fyra nöjda pladd!

Länkar till uppföljarna: