Antz (1998)

Antz

Antz är en film som bör ses ur ett tidshistoriskt perspektiv. Även om just -98 inte känns som ett filmår från antiken, har det onekligen skett tekniska landvinningar sedan dess. Inte minst gällande animation, vilket är tydligt när man ser de pissbruna myrorna i Antz. Då ska man ändå ha klart för sig att den är påkostad som bara den och att det var Dreamworks (Steven Spielbergs studio) allra första helanimerade långfilm.

Tanken är rent teoretiskt inte fel. Om jag får låtsas vara producent här kan jag tänka mig att animationerna och en smart marknadsföringskampanj per automatik var tänkt att locka barnfamiljer, samtidigt som de vuxna skulle bli lockade av de stora namnen som delar med sig av sina röster. Här är man dessutom garderat sig; de intellektuella kommer för Woody Allens skull, medan resten kommer för Sylvester Stallones eller Jennifer Lopez skull. Med den här logiken är det rimligt att föreställa sig att varenda filmintresserad människa borde ha köpt sig en biljett när det begav sig.

För att ytterligare säkerställa de vuxnas tillfredsställelse (de är ju trots allt den grupp som betalar) har man skapat en berättelse om en totalitär myrvärld; världen och dess invånare hotas av att en maktgalen general vill dränka alla arbetare för att få ökad makt över myrriket. Från arbetarmyrorna kläcks det dessutom kommunistvänliga repliker i tid och otid, som får sägas vara ett märkligt vald kontext. Detta budskap är knappast riktat mot barnpubliken.

Problemet är dock att hur man än vrider och vänder på Antz så är det en familjefilm. Därför finns det moment som finns till för att tillfredsställa barnen och det finns motsvarigheter för de vuxna. Till exempel är myrorna formade efter röstskådespelarnas verkliga utseende, vilket innebär att Allens myra (Z-4195 var namnet) är liten och har taskig hållning. Raka motsatsen till Stallones dito. Samtidigt hamnar dessa i situationer som enbart kan tillskrivas en barnfilm.

Resultatet av allt detta är att trots att ambitionsnivån är grandios och de tekniska hjälpmedlen enorma, blir filmen sällan mer än en ordinär äventyrsfilm. Flörtandet med vuxenpubliken blir i det här sammanhanget mer märkligt än något annat. Till skillnad från till exempel Toy Story-serien så tas inte berättelsen på allvar utan kryddas med extrainslag. Kombinationen och allvaret finns inte. Trots detta är Antz en relativt trevlig stund för både barn och vuxna, men jag är säker på att båda grupperna skruvar lite på sig av ointresse under både ett och två partier under filmens gång.

Betyg: 3/5

Another Woman (1988)

Gena Rowland i Another Woman av Woody Allen

Another Woman ser på ytan ut att vara av samma virke som den misslyckade September. Båda är allvarsamma dramer, inte speciellt framgångsrika och tämligen bortglömda. Ändå är de varandras motsatser. Om September var ett misslyckat försök att vara allvarlig, så är Another Woman Woody Allens hittills bästa försök. Genom att för första gången fokusera på en enda karaktär och bygga upp en bild av hennes liv skapar han en historia som kan vara det starkaste han har gjort.

Tidigare har personer i fokus antingen varit ett par eller en ensemble med många olika karaktärer. I den här finns samtliga karaktärer enbart till för att spegla Marion (Gena Rowland) och hennes liv. En framstående filosof, strax över 50 år gammal, ser ut att ha ett lyckat liv. Hon lever tillsammans med en läkare (Ian Holm) och har ett rikt societetsliv. För att kunna skriva sin nya bok i lugn och ro hyr hon ett kontor i en annan del av stan, belägen bredvid en psykologmottagning. På grund av bristfällig ventilation råkar hon höra vad som sägs i lokalen bredvid. Till en början nonchalerar hon det, men likt James Stewart i Rear Window blir hon mer och mer intresserad av vad hon får höra.

Faktum är att kvinnan som talar ut om sina problem hos psykologen berör Marion så mycket att hon börjar utvärdera sitt eget liv. Kvinnan är betydligt yngre än Marion och dessutom gravid, men Marion känner ändå ett samband med hennes problem. Med en distinkt berättarröst får vi följa med Marion i nutid, dåtid och genom relationer som på olika sätt påverkat hennes liv. I centrum står frågan: Har jag gjort rätt val i livet?

Med hjälp av drömmar och saker som besök hos den äldre fadern får vi reda på att hennes enda bror alltid känt sig missgynnad av fadern, på grund av ständiga jämförelser med den till synes perfekta systern. Marion får för första gången insikt i hur svårt hennes bror måste ha haft det, något han aldrig tidigare reflekterat över. I själva verket är det inte många människor runt omkring henne som hon någonsin brytt sig så mycket om. Samtidigt har hon inte varit egocentrisk heller.

En av hennes största upptäckter är att hon genom hela livet aldrig tillåtit sig själv att känna något. Trots att makar har avlidit, nära vänner försvunnit ur bilden och en barnlöshet hon helt plötsligt börjat omvärdera är det inget som hon tillåtit sig själv att påverkas av. Enda gången passionen kommer upp till ytan är när hon en gång blev förförd av sin blivande makes vän (Gene Hackman). Vännen lyckades mana fram passion, men på grund av Marions rädsla för sina egna känslor förpassade hon möjligheten att låta känslan blomstra.

Med hjälp av alla dessa karaktärer, drömmar och tankar (väl berättade av en ständigt närvarande berättarröst) målar Allen upp ett helt liv. Trots att det är en allvarlig och tung berättelse försöker han inte göra den rolig, men inte heller överdrivet tungsint (som i fallet September). Han regisserar med en lätthet och känslan av att han faktiskt inte bryr sig så mycket om hur resultatet blir, hjälper faktiskt. Han följer sin instinkt och resultatet blir denna gång mästerligt.

Likheterna med Bergmans Smultronstället är tydliga, även om Allen själv hävdar att det mest är en slump; att låta en huvudkaraktär besöka sitt gamla liv och samtidigt få en ny uppfattning om vad som egentligen hände, är alltså inte ett nytt grepp. Att han dessutom använder Bergmans favoritfotograf Sven Nykvist gör inte likheterna mindre slumpartade. Nykvist hjälper dock till att skapa ett mjukt foto och använder liknande kameravinklar som han gjorde med Bergman. Efter att ha sett tjugotalet Allen-filmer under det senaste året gör faktiskt sånt skillnad. Det känns som något nytt. Dessutom används närbilder, något jag inte kan minnas att jag har sett i någon av de övriga 80-talsfilmerna.

Slutligen, Another Woman är ett mästerverk. Den må se obetydlig ut på ytan, den må verka som ett standardverk, men så är inte fallet. Allen har aldrig tidigare eller senare gjort något så här personligt i bemärkelsen att det berör på riktigt. Borta är tramset, stereotyper och känslan av repetition. Another Woman är nämligen en unik och alldeles enastående liten film.

Beyg: 5/5

För att nå samtliga mina Woody-texter, klicka här.

The Poseidon Adventure (1972)

Efter att ha gjort både Martin och Aficionadon smått besvikna slänger jag in en mild spoilervarning för känsliga läsare.

Om Airport var den film som banade väg för katastroffilmsgenren i början av 70-talet, så var The Poseidon Adventure den som verkligen höjde ribban för hur en typisk katastroffilm ska vara upplagd. Istället för att lägga merparten av energin på karaktärerna och sen låta katastrofmomentet träda in först i slutet av berättelsen, valde producenten Irwin Allen (som senare kom att kallas the Master of Disaster) att fokusera betydligt mer på det sistnämnda. Det gav ett enormt genomslag och i mitten av 70-talet var det en av de sex mest framgångsrika kassakorna någonsin, jämbördig med så prominenta filmer som Gone with the Wind, Godfather och nyss nämnda Airport.

Handlingen utspelar sig på nyårsafton ombord på lyxkryssaren S/S Poseidon, som på väg från New York till Aten möter sin domedag i form av en enorm tsunamivåg. Leslie Nielsen spelar fartygets kapten och det här var faktiskt den första ”seriösa” rollen jag sett honom i. Hur som helst, han är oroad för att skeppets säkerhet är i fara eftersom rederiets representant ombord beordrat full fart, trots att fartyget är på tok för överlastat.

Kaptenen insisterar på att lägre fart och mer ballast skulle göra fartyget mer stabilt, men som vanligt är det chefen som bestämmer. Det förmodar jag är ett försök att etablera en bad guy, men eftersom jag tror det inte hade gjort någon skillnad och det faktum att både Nielsen och chefen dör i kollisionen, så känns det rätt meningslöst. Båten hamnar hur som helst upp och ner, vilket återges i den fantastiska taglinen ”hell, upside down!”.

Lite längre ner i båten, eller upp om man så vill, är nyårsfesten i full gång och det nya året har precis ringts in. Vem det var som önskade sig en tsunamivåg och världen upp och ner framgår inte, men folk flyger fram och tillbaka i ett effektarbete som med dagens mått mätt mest känns som en cirkusföreställning.

När allt har lagt sig och efter lite tjafs bestämmer sig ett gäng för att tillsammans ta sig upp till botten (fast toppen för dem) i hopp om att nå vattenytan. Prästen Frank Scott (Gene Hackman) utnämner sig själv till ledare, medan surgubben och tillika före detta polisen Mike Rogo (Ernest Borgnine) genast börjar gnabba emot. Deras gnabbande kan visserligen vara rätt roligt, men eftersom Borgnine är en förhållandevis enformig skådespelare så blir det väldigt snabbt tröttsamt. Hans karaktär blir bara pessimistisk och jobbig, ungefär som Bill Paxton i Aliens.

Trots att det är en rätt påkostad film känns det som att krutet har lagts på lite fel saker. Dekorerna och allt som förstörs är välgjort, men det fanns inga pengar över till att visa båten utifrån efter att den kantrat. Man får visualisera på egen hand hur man tror båten ser ut efter 180-gradersturen. Det kan måhända vara ett spänningsgrepp i andan att less is more, men i det här fallet känns det mest snålt. Annars håller den ett högt tempo och bjuder på många spänningsmoment och hyfsat skådespel. Musiken är fint ackompanjerad av en viss John Williams, men eftersom det här var innan hans definitiva genombrott tar han inte speciellt stor plats.

Hade det inte varit för att jag tycker Airport, Earthquake och The Towering Inferno (som blev producent Allens nästa stora projekt) är betydligt bättre ur många aspekter, så hade jag haft lättare att uppskatta The Poseidon Adventure. I jämförelse känns den traditionell och inte alls lika ambitiös och nyskapande som de filmer jag nyss nämnde. Den är bättre än remaken med Kurt Russell i alla fall, utan tvekan.

Betyg: 3/5

Länkar till två tunga katastrofklassiker:
Airport
Earthquake

Wes Anderson #3: The Royal Tenenbaums (2001)

Med The Royal Tenenbaums tog Wes Anderson steget fullt ut och lät ingenting komma i vägen för hans stilestetik och underfundiga humor. Med en enorm ensemblebesättning av skådespelare har han skapat en film som helt förlitar sig på att man tycker om hans stil, för annars garanterar jag att man hinner gäspa både två och tre gånger innan filmen är över.

Karaktärerna ges en jättelång och informativ presentation med supersnygga vinjettbilder ackompanjerad av Alec Baldwins gravallvarliga berättarröst. Därför tänker jag inte ge mig på någon ingående handlingsbeskrivning mer än att det handlar om en dysfunktionell familj ledd av pappan Royal (Gene Hackman), den separerade hustrun (Anjelica Huston) och deras barn spelade av Ben Stiller, Luke Wilson och Gwyneth Paltrow. Utöver det dyker upp även Danny Glover, Bill Murray och filmens ena manusförfattare Owen Wilson upp.

Handlingen må vara omfattande men ändå är Tenenbaums en karaktärsdriven film där karaktärerna ärligt talat är tunna som hushållspapper. Nästan ingen har någon sorts emotionell tyngd eller bakgrund, men det gör inte så mycket när skådespelarna är så duktiga och manuset är så fullt av underfundigheter och anspelningar. Hela filmen befinner sig i ett limbo mellan humor och tragik på ett imponerande sätt. Det blir aldrig överdrivet roligt, men det blir inte heller speciellt tråkigt någon gång.

Som jag nämnde i inledningen så står ingenting i vägen för Andersons stilestetik. Det är färgstarkt och snyggt i ett nästan surrealistiskt substitut av New York. Filmens undervattensscen är ett utmärkt exempel på hur konsekvent han är. I både Bottle Rocket och Rushmore finns det poolscener med undervattenskamera. I Bottle är det en person i poolen, Rushmore är det två och i Tenenbaums är tre personer filmade med undervattenskamera. Någon som ser sambandet?

The Royal Tenenbaums är Wes Andersons hittills största och mest fulländade film och rent spontant känner jag att det bara kan gå utför härifrån. Att han sätter krokben för sig själv med att stilistiskt försöka överträffa den här prestationen. Visst finns det svagheter, främst gällande dramaturgin (som präglat samtliga hans filmer), men jag tycker ändå sådant hamnar i bakgrunden den här gången.

Betyg. 4/5

Superman IV – The Quest for Peace (1987)

Superman

När det vankades Superman IV var huvudpersonen Christopher Reeve först tveksam. Han var inte helt nöjd med trean och ansåg att han gjort sitt i trikå. Men när han gavs möjligheten att själv jobba med manuset såg han chansen till att påverka och faktiskt göra något bra. Hans optimism smittade av sig på Margot Kidder, som återigen tog sig an rollen som Lois Lane. Ingen vet riktigt hur Gene Hackman kom in i bilden, men det förmodas ligga rätt mycket pengar bakom. I vilket fall är han i alla fall återigen med som den listiga och naiva Lex Luthor.

Den gamla trion var alltså återförenade ännu en gång och än så länge såg allt lovande ut. Speciellt med tanke på att Lois Lane spelade en ganska obetydlig roll i nr 3 och i densamma var inte ens Lex Luthor med. Så nr fyra skulle alltså bli comeback för båda.

Superman

Hur blev det med storyn då? Jo, den blev ganska bra faktiskt. Under 80-talet var kalla kriget ett faktum och rädslan för att ett förödande kärnvapenkrig skulle bryta ut var påtaglig. Många var filmerna som målade upp Sovjetunionen som stor, fåordig och blodtörstiga. Christopher Reeve ville göra en film om detta, som alltså under rådande samtid var fullt allvar.

Men istället för att låta Superman go mad bland massa blonda ryssar, ställde han sig en mer grundläggande fråga. Om nu Superman är så mäktig och kapabel till storting, varför stoppar han inte all ondska? Paralleller till existensiella frågor är oundvikliga. Byt ut Superman mot Gud i meningen ovan får du se själv.

Superman bestämmer sig alltså för att eliminera all ondska, genom att helt enkelt samla alla världens kärnvapen och låta dem explodera i solen, där det inte skadar någon. I samma veva kommer dock Lex Luthor över ett hårstrå från mannen av stål och med hjälp av radioaktivt avfall skapar han en DNA-kopia av Superman, som mycket ondskefullt kallas för Nuclear Man. En våldsam fight bryter ut dem emellan och ja.. Det är allt.

Nuclear Man

Jag måste erkänna att det låter ganska lovande, men jag garanterar att så inte är fallet. Förutom en ganska bra grundstory, är det ingenting som riktigt fungerar. Nuclear Man kan vara det fulaste, töntigaste och sämsta jag sett på bioduken. Inte det minsta ondskefull, utan mest bara en skitkorv med konstiga kläder och blixtar runt omkring sig, som dessutom grymtar i tid och otid. Skit var ordet.

För att bränna på skiten dras Lois Lane och Clark Kent-relationen till evinnerlighet. Det är samma katt och råtta-lek som tidigare, där Clark byter av Superman titt som tätt. Men den här gången är det inte roligt. Christopher Reeve och Margot Kidder gör så gott de kan, men maken till löjligare skrivna scener kan de knappast stött på.

Lois Lane och Clark Kent

En annan gubbe som inte riktigt är med är Gene Hackman. Han känns ungefär 15 år för gammal, och det märks. Han är någon annanstans och utstrålar egentligen inte någon som helst inlevelse. Det enda roliga är att hans sidekick den här gången är Jon Cryer, mer känd från Hot Shots och som en av männen i Two and a Half Men.

Superman IV är ingen bra film och det märks när man tittar på den. Alla inblandade verkar nämligen vara av samma åsikt. Det enda som räddar den från bottenbetyget är ändå den enorma ambition Reeve utstrålar. Därav den svagaste tvåan i den här bloggens historia.

Betyg: 2-/5

Superman II (1980)

Superman

Superman II har en speciell bakgrund och därför kommer denna recension se lite annorlunda ut. Den är uppdelad i tre delar; del nr 1 handlar om hur det gick till under inspelningen och framförallt varför de bytte regissör, del 2 och 3 kommer vara recensioner på de två olika versionerna. Allt kommer klarna allt eftersom, det garanterar jag.

Del 1 – Bråk, framgång och regissörsbyte

Från början spelades både Superman I och II in samtidigt. Man räknade med att den första filmen skulle bli framgångsrik, så därför syntes det inte mer än klokt att rida på den stormen och vara klar med uppföljaren innan det största intresset lagt sig. Regissören Richard Donner tog Superman på största allvar och hade stora visioner för vad han ville och tyvärr kunde inte riktigt det tidsschema och den budget som var tillgänglig matcha hans visioner.

Producenterna blev otåliga och skyllde på Donner då budgeten överstegs, medan han själv ansåg att han fått för lite pengar. Till slut bestämde producenterna att avbryta inspelningen av Superman II och helt koncentrera sig på att göra klart första filmen. Den blev som bekant en stor succé, mycket tack vare just Donner’s stora visioner och målmedvetna arbete.

Producenterna hade dock inte släppt meningsskiljaktigheterna med Donner, så när det var dags för tvåan skrev de om manuset och anlitade en annan Richard, nämligen engelsmannen Richard Lester.

Dock tog man tillvara på det material som redan fanns inspelat, och mycket av det som är med i Richard Lester’s Superman II är sådant som i själva verket filmats av Donner. Dock skiljer sig de två männens visioner såpass mycket att det alltid funnits ett stort intresse av att få se Donners version. Efter en stor namninsamling på internet blev det verklighet och en Richard Donner cut av Superman II finns nu på dvd. Och det är just dessa två filmer jag ska recensera.

Clark Kent eller Superman?

Del 2 – Superman II (Richard Lester’s version)

Efter att ha räddat världen i första filmen lever nu Superman som den hjälte han är. När han inte behöver rädda folk lever han under sitt alter ego Clark Kent, som fortsätter sina tafatta försök att charmera kollegan och vännen Lois Lane. Hon har dock bara ögon för Superman och försöker lika hopplöst som Clark att bli uppmärksammad av sin hjärtevän.

Efter att ha hamnat i ett bombdrama på Eiffeltornet behöver Lois återigen Supermans hjälp. Han kommer självklart i rättan tid och skickar ut bomben i rymden. Allt gott så långt, men tyvärr råkar bomben frigöra tre brottslingar från vår hjältes hemplanet Krypton. De är inspärrade av Supermans far och tar sikte mot jorden för att hämnas på mannen av stål. Problemet är att liksom Superman får detta sällskap speciella krafter när de befinner sig på jorden. Exakt likadana krafter som Superman själv. Så nu tvingas han brottas mot sin egen styrka tre gånger om.

Lois Lane

Richard Lester är inte lika allvarlig i sin framhållning av Supermans öde som Donner är, men han låter Christopher Reeve spela sin karaktär med inlevelse och där finns det stora djupet. Där han i den första filmen fick uppleva separationer från både sina föräldrar och den man som uppfostrat honom, tvingas han nu uppleva kärlekens baksidor. Han tvingas ställa sig inför valet att leva tillsammans med sin älskade Lois Lane, eller föralltid hjälpa en värld som synes ohjälpelig. Vad han än gör kommer världen fortfarande vara fylld av ondska.

Det djupet misstänker jag att Donner ligger bakom, för Lester själv fokuserar mest på det komiska. Han vill ha humor och har i nästan alla sina scener petat in små roliga detaljer. Det märks speciellt i en scen där våra tre brottslingar attackerar Metropolis genom att blåsa enormt kraftiga vindar mot invånarna. Då får vi se en mans tupé flyga av, glass som flyger av struten och hamnar i ansiktet på någon samt en man i en telefonkiosk som välter. För att nämna några exempel.

Och det är ganska roligt faktiskt. Tillsammans med den tunga och allvarliga storyn blir det aldrig tråkigt, eller för den delen överdrivet. Jag tycker om att Superman äntligen får vara underdog, nu när han ställs mot något han uppenbart är underlägsen mot. I ettan var det ganska självklart att han skulle vinna över den ganska banala Lex Luthor, men här får han verkligen kämpa.

Lex Luthor

Lex Luthor är dock med i den här också. Även denna gång gestaltad av Gene Hackman. Han allierar sig med de tre brottslingarna, men har egentligen ingen större roll i det hela. Dock är Hackman bra och anmärkningsvärt är att alla hans scener är filmade av Donner.

Trots alla bråk blir det ändå en bra film i slutändan. Även om jag personligen tycker att det är synd att Richard Donner inte fick slutföra sitt arbete, för han har mer talang och är bättre lämpad för det här jobbet än vad Lester är. Den senare gör dock inte bort sig, utan lyckas få ihop alla trådar på ett underhållande sätt, men fortfarande med ett visst djup. Jag tycker dessutom att alla komiska detaljer är väldigt roliga, så för min del gjorde det inget. En solid superhjältefilm ännu en gång.

Betyg: 4/5

Superman och Lois Lane

Del 3 – Richard Donner’s Superman II

Handlingen är i mångt och mycket detsamma som i Lester’s version, men hela Paris-delen är bortklippt. Istället börjar det med en resumé av den första filmen, som visar att den atombomb Superman siktar upp i rymden är den som släpper de tre brottslingarna fria. Utöver det är det mesta sig likt, men med den stora skillnaden att fokus ligger på berättelsen och Supermans svåra val mellan kärlek eller att skydda människan.

Jag har framställt Lester’s version som en humorhistoria, men det innebär inte att Donner missat all komik. Liksom i den första filmen är det fullt av humoristiska inslag, men det tar aldrig överhanden. Det är hela tiden Superman som berättelse som är det viktiga. Att berättelsen går i första hand tjänar alla på, för allt får en mycket större logik. Man förstår varför saker och ting händer och man förstår de val och beslut Superman tvingas ta.

Superman och Marlon Brando

I Lester’s version ville de inte betala för Marlon Brando’s tjänster, eftersom han inte direkt är den billigaste gubben i drift. I den här versionen är han dock med, även denna gång som Jor-El, som flera gånger blir uppsökt av sin son Superman.

Richard Donner’s version är den bästa av Superman II, även om den inte är tekniskt perfekt. Dock var det inget direkt jag störde mig på när jag såg den, och jag tror inte någon annan gör det heller. Om Donner hade fått fortsätta med sin vision är jag övertygad om att han hade överträffat den första filmen och gjort en riktig klassiker. Så bra var förutsättningarna. Då hade förmodligen Superman-serien inte gått mot den död den senare gjorde, med en komedifilm som trea och ett riktigt bottennapp som fyra.

Betyg: 4/5

Sammanfattning:

Jag tycker alltså att Donner’s är bättre, men ger ändå Lester’s samma betyg. Här kommer förklaringen: Så överdrivet jättemycket bättre är inte Donner’s, men jag tycker gott man kan se båda två och välja sin egna favorit. Jag är hur som helst säker på att man uppskattar båda versionerna, mer eller mindre.

Superman (1978)

Superman och Lois Lane

Superman kommer till jorden och Lex Luthor vill dränka Kalifornien. Det är en kortfattad resumé av handlingen i den första Superman-filmen. Det kanske låter simpelt, men så är inte fallet. Först får vi mycket noga följa hur det går till när Supermans hemplanet Krypton går i stöpet och hur hans föräldrar resonerar när de skickar iväg honom till jorden. Pappa Jor-El spelas av Marlon Brando och förutom en väldigt bra insats kommer man framförallt ihåg hans utstyrsel, då han ser ut som en julskinka invirad i aluminiumfolie. Men det är futuristiskt och Krypton ligger före oss på jorden, så det kanske är framtiden.

Som jag tidigare pratat om finns det djup i Superman. Han är inte bara en tönt i glasögon som Clark Kent och mannen av stål som Superman. Det finns mycket mer än så, och det visas i den här filmen. Manusförfattarna, med Mario Puzo (mannen bakom Gudfadern-boken) vill få med allting och fokuserar inledningsvis på att verkligen visa att Superman är en bräcklig människa. Han förlorar båda sina föräldrar som barn och blir dessutom av med sin adoptivfarsa som tonåring. Sånt sätter sina spår och det vill författarna visa. Jag tycker att de lyckas, men det är upp till var och en.

Clark Kent som ung

Clark växer upp, flyttar till Metropolis och blir reporter på Daily Planet, där han träffar den karriäristiska och målmedvetna Lois Lane. Hon trånar efter två saker; Pulitzerpriset för sitt arbete och Supermans kärlek. Som om inte det vore nog går dessutom Clark Kent och blir kär i Lane, som är helt ovetandes om att Clark och Superman är samma person Allt det vet ni redan, men det är ändock viktigt. För om Clarks uppväxt var filmens första akt är triangeldramat mellan Lois Lane, Clark Kent och Superman den andra.

Som bekant spelas Superman och Clark Kent av Christopher Reeve, och han gör det bra. Han lyckas att spela den tafatta Kent på ett trovärdigt sätt, även om det är snubblande nära överspel ibland. Men eftersom förutsättningarna är som de är och man som tittare har rätt hög toleransnivå lyckas han väldigt bra. Lika bra lyckas han dessutom som den obeveklige Superman. För mig finns det ingen annan än Reeve i den här rollen.

Margot Kidder spelar Lane och då det inte direkt är någon svår roll att spela gör hon det ändå rätt bra. Hon har inlevelse och känns trovärdig, så det funkar. Det finns kemi mellan Reeve och Kidder, och det är det viktiga.

Gene Hackman som Lex Luthor

I den tredje akten får vi möta vår eviga bad guy; Lex Luthor, fantastiskt spelad av Gene Hackman. Den intelligenta, men ack så onda Luthor har upptäckt att markpriserna utanför Kaliforniens gränser är löjligt låga, så han köper upp i princip hela Kaliforniens östkust. Den väl bevandrade geografen vet att där finns bara öken, men det ska den onde Luthor göra bot på genom att sänka hela Kalifornien under vatten. Och utan Kalifornien äger han den nya västkusten. Det gör naturligtvis Superman allt för att sätta stoppa för. Dessutom råkar Lane hamna mitt i dramatiken, så det blir två flugor i en smäll för mannen i trikå.

Clark Kent och Lois Lane

Skaparna, speciellt regissören Richard Donner, siktar mot rymden och vill verkligen få med precis allting om personen Superman. Man ger honom en bakgrund och man ger honom ett djup. Man kunde egentligen ha delat upp denna film i två, för så pass mycket material är det. Men i ärlighetens namn blir det lite långt emellanåt. Första akten med hemplaneten och uppväxten är jättebra, men sedan trampas det mest bara effekter och hela idéen att bygga en Superman med djup går lite i sank. I slutändan blir det dock en solid superhjältefilm med många minnesvärda ögonblick.

Betyg: 4/5

Unforgiven (1992)

William Munney (Clint Eastwood) är en ökänd före detta tjuv och mördare, som numera försöker leva efter lagen. Då hans fru går bort lämnas han ensam med sina barn och tillsammans kämpar de för att få den lilla farmen att gå runt. När det ser som mörkast ut och de är i desperat behov av både mat och pengar får Munney ett erbjudande han inte kan säga nej till. Trots att han lovat sig själv att inte återvända till sitt gamla liv, tar han uppdraget att döda två kvinnomisshandlare. Han gör det för pengar och han övertygar sig själv att han gör det för sina barns bästa.

Efter lite tvekan får han med sig sin gamle partner Ned Logan (Morgan Freeman), som hamnat i en liknande situation, och tillsammans hänger de på The Schofield Kid (Jaimz Woolvett), som lockat med erbjudandet. Staden som är mördarnas mål styrs av sheriffen Little Bill (Gene Hackman), som utan att blinka och rent utav sadistiskt använder våld för att upprätthålla lydnad och respekt.

Clint Eastwood gjorde ju sig ett namn för första gången i italienska spaghettiwesterns och utan hans insatser i Sergio Leones dollartrilogi hade  nog garanterat Clintan inte varit där han är idag. Framförallt ritade de båda om kartan för hela genren. Innan var den typiska amerikanska cowboyen, oftast porträtterad av John Wayne, en hjälte som var tuff, fysiskt stark och skicklig med revolvern. Gärna en riktigt hyvens man dessutom. Clintans cowboy var också tuff och skicklig med revolvern, men inte speciellt hyvens. Hans cowboy var självständig, ofta inåtvänd och levde efter en egen definition av rättvisa, som fick honom att göra i princip allt för att få det han vill ha.

Den självskapata bilden vänder Clintan upp ocn ned på ytterligare en gång i och med Unforgiven. Manuset av David Webb Peoples är briljant och undviker westerngenrens sedvanliga klyschor. Tillsammans med Eastwoods regi får vi ta del av en lugnt berättad historia, som aldrig blir seg, men som tar till vara på dramatiken och låter den lika lugnt och försiktigt stegra till filmens klimax.

Unforgiven visar upp en annan sida av den tuffa mördaren. En tragisk, ledsam och oglamorös bild av konsekvenserna av ett tufft leverne. Hur svårt det kan vara att gå vidare och skapa sig ett nytt liv. Den ställer frågor som om det verkligen är värt att skada andra för egen vinning, när man egentligen skadar sig själv mest, för psykiskt kan man aldrig gå vidare. En lysande film som handlar mer om människan än något annat. Då blir både genre och tidsålder av sekundär betydelse.

Betyg: 4/5

Crimson Tide (1995)

Stridsveteranen och fartygschefen Frank Ramsey (Gene Hackman) hamnar tillsammans med sin nytillträdda örlogskapten Ron Hunter (Denzel Washington) i den största militära krisen sedan Kubakrisen. Ryska ultranationalister hotar att starta ett tredje världskrig och ombord på atomubåten USS Alabama ställs kursen mot Ryssland. När de får en obekräftad order att avfyra sina atomrobotar kan de inte komma överens över hur de ska göra, om de ska följa ordern eller vänta på att få den bekräftad. Hela mänsklighetens öde ligger i händerna på ubåtsbesättningen och framförallt på våra två herrar i fokus.

Hackmans karaktär vill avfyra robotarna, men för att få göra det utan bekräftelse krävs det att örlogskaptenenen (som är kapten nr 2 på båten) är av samma åsikt. Denzel är inte så sugen på att starta världskrig, så en katt och råttjakt under vattnet startar under vattnet. Hackman är skrämmande övertygad om sin sak och han själv anser att han är den som överlägset vet vad som är bäst för ubåten och dess besättning. Denzel håller inte med, och så fortsätter det.

Det här är en Jerry Bruckheimer-produktion och det märks. Amerikanska flaggan viftar så där snyggt och ståtligt som den bara kan göra i en Bruckheimer-film. Tillsammans med rätt regissörer, som har en egen vision och inte bara behöver tänka på att göra mannen med det flödiga namnet nöjd, kan det faktiskt bli rätt intressanta filmer. Tony Scott är en sån man. Han gör stabila filmer, trots att storyn kan vara hur töntig som helst. Han vet vad han har och gör det bästa utav det. Av duons tidigare alster, speciellt Top Gun och Days of Thunder, är jag allt som oftast rätt positiv till de flesta.

Det är en storslagen film med bra bild och ljud. En intressant story, med ett svårt ställningstagande, utförs briljant av alla inblandade skådespelare. Speciellt Hackman är riktigt bra i sin roll. Men det blir lite för mycket. Det blir lite för otroligt när Denzel tar över kaptensrollen för tredje gången och framförallt så finns det hela tiden en viss grad av förutsägbarhet. Men har man sett någon av Bruckheimers andra alster så vet man vad som väntar, och det här är definitivt en av hans bättre produktioner.

Betyg: 3/5